要带着自己的问题意识去创作｜专访日本多摩美术大学教授——菊地武彦

栏目：教育教学时间：2023-07-06

　　自由绘画创研工作坊特邀导师

　　菊地武彦（Kikuchi?Takehiko）

　　菊地武彦（Kikuchi?Takehiko） ,日本著名教育家，艺术家，本科与硕士阶段就读于多摩美术大学油画系，现任教于多摩美术大学油画系，菊地教授致力于对平面绘画的研究并以“线”作为创作中的核心，他的创作带有非具象绘画的特点同时兼具东方的气韵，菊地教授的绘画将线的流动感、气势磅礴的张力、耀眼的肌理感展现的淋漓尽致。与此同时，菊地教授对绘画材料有深厚的造诣。他常年出入于日本画研究室，擅长运用“纸”及“岩画”等水性颜料。

　　日本多摩美术大学注重“自由与意志力”的培养，并对“物派”的发展有深远的影响。7月，菊地武彦教授将首次来华，在“自由绘画”创研工作坊中，带来他的经典课题“从身边的环境到造型活动“。

　　菊地武彦导师所在的日本多摩美术大学油画系

　　课题实践现场

　　从身边的环境重新审视，提出对自己来说有切实现实感的问题是很重要的。但是那不能成为“一个人的事情”。你必须把自己的问题意识联系到一个更加开放的人类普遍的问题意识上。我希望每个人都能学会带着自己的问题意识去创作。

　　——菊地武彦（“自由绘画”创研工作坊导师，日本多摩美术大学教授）

　　菊地武彦教授专访

　　库艺术=库：您毕业于日本多摩美术大学并一直留校任教至今，在求学时您的研究和创作方向是什么？在创作形式与媒介这么多元化的今天，为什么一直坚持选择绘画作为您的创作方向？

　　菊地武彦=菊地：我的学生时代是被认为“绘画已死”的时代。但是对于刚进入油画系的我来说，绘画才刚刚开始，充满了可能性。我的自我感觉和西方美术史上所说的“绘画的终结”是不一样的。我想学生时代的我抱有着探究新绘画的可能性的姿态。

　　另外，在各种媒体泛滥的现代，我认为通过“描绘”行为来进行创作的绘画，包含着所有艺术行为的根源性要素。我喜欢本源的、原始的东西。我认为其中包含着人类的本质。

　　创作中的菊地武彦教授

　　库：日本多摩美术大学以“自由与意志力”（"Freedom and Will"）作为教育的理念，并对“物派”的发展有深远的影响，我们如何理解这一教学的理念？这种教育理念具体体现在哪些方面？

　　菊地：“自由与意志力”在今后的社会中是很重要的。例如，LGBTQ（同性恋）问题、歧视问题，现在都在热烈讨论。我们期待着一个人人自由、权利平等的社会。但现实却并非如此。多摩美术大学内部也有这些问题尚未解决的部分。我认为在日本整体今后必须改变意识，而美术具有提出这些问题的力量。

　　“物派”就是从这种获得自由的立场上诞生的。从美术领域划分的立场来看，我认为这是想要从既成的价值观中获得自由的意愿的表现。

　　菊地武彦教授个展现场

　　库：中国的艺术创作者们想要找到艺术的“自由”是很难的一件事情，似乎你必须满足许多标准和要求之后才有资格追求表达的自由。在日本也会面临同样的问题？您如何看待？

　　菊地：在日本也对社会问题和过于政治化的美术创作有强烈的抨击。社会和政治家必须对与自己不同的各种各样想法表现宽容。因为不宽容，重要的人才流失到海外的话，对任何国家来说是很大的损失。具备宽容的国家在真正意义上可以说是“大国”。

　　库：您的首个系列创作名为“线的气韵”(《線の気韻》)，强调绘画行为（滴洒、身体运动），您是否受到过“行动绘画”创作方式的影响？

　　菊地：“线的气韵”系列可以说是把“描绘”的行为放在首位的作品。这与“行动绘画”的共同点是二者都将行为放在首位，但我并没有太参考“行动绘画”。我认为，将使用岩绘具等物质材料进行绘画的行为放为首要的绘画方式，展现了“物”与身体这一原始的绘画方式。

　　菊地武彦作品

　　线的气韵1993-14

　　162 × 227cm

　　1993

　　库：在“土的记忆”（《土の記憶》）这一系列创作中您着重探索新材料和肌理的实验，对于材料的选择在您的创作中意味着什么？

　　菊地：“土的记忆”系列是从描绘绘画为主的行为扩展到四周的。例如，通过绘画产生飞溅和颜料等人为达不到的部分。以此为主，将自己所做的行为与非人为的要素相结合，谨慎地画出线条。可以说是把这些部分考虑在先的绘画。

　　另外，材料使用岩绘具等天然材料，暗示着人类的行为是通过顺应自然，或破坏自然而进行的。

　　菊地武彦作品

　　土的记忆2012-19

　　菊地武彦教授个展现场

　　库：您作品的主题都是与风景和环境相关的具象的名称，但作品本身却是通过抽象的方式呈现，这种抒情化的表达和您对“线”的研究是怎样一种关系？

　　菊地：我作品的想法很抽象。以物质材料进行画线的行为为基础。但在画面中出现的形象是以森林、树木等具象的形式出现的。恐怕那是无意识中出现的形态吧。垂直线的重叠会出现自然和森林的形象，颜料的流动会出现植物发芽的形象。人们会从物质中挑选形象。颜料的物质性和画线的行为，与自身同时也派生出形象。我认为绘画就是这样的。

　　菊地武彦作品

　　天圆地方2014-20

　　182×180cm

　　2014

　　库：近年来您开始创作“线的形状”（《線の形象》）系列，通过在同一位置堆积各种颜色的线条，出现了与原始线条不同的新形状。从观念上来讲，这两个系列在对“线”的理解和运用上有什么不同？

　　菊地：到目前为止，画线的行为与其说是重叠，不如说是并列。从“线的形象”系列开始，线不是并列的，而是在同一位置重叠。重叠在同一个地方，面会比线更明显，但作为自己的意识，归根结底还是线。这是意识问题。线是“画”的行为，而面是“涂”的行为。不管多粗，用大刷子画出来的线就是线。

　　菊地武彦作品

　　线的形状2022-19

　　57.5 × 76cm

　　2022

　　菊地武彦作品

　　线的形状2022-7

　　57.5 × 76.5cm

　　2022

　　另外，在相同的地方用不同的颜色画出同样的线，也可以模拟日常生活。日常生活就是重复同样的行为。重复同样的行为乍一看很无聊，但日常生活很容易被破坏。新冠疫情和东日本大地震，让人切实感受到日常生活是多么短暂。作为对这些的致敬，我开始了这个系列。

　　菊地武彦作品

　　线的形状2017ー2

　　200 × 300cm

　　2017

　　菊地武彦教授个展现场

　　库：您的创作最早实践是以架上绘画开始的，但后期您也做了很多和空间场域发生关系的作品，比如把线运用到屏风或者滑动门上，这是出于什么样的思索，这是否与您本次工作坊的课题，从“从身边的环境到造型活动”有关联？

　　菊地：是的。绘画原本是附属于场所的。从洞窟绘画开始，壁画和宗教绘画等，它们都与特定的地方紧密地结合在一起。绘画是文化的一部分，文化是其地方固有的东西。所以这里面有很强的必然性，因为有必然性所以也有说服力。但是在现代，绘画作为在任何地方都可以移动的东西、可以买卖的东西流通着。绘画从地域性和文化中被剥离，成为了单纯的商品。我认为通过重新审视身边的环境，也会发现其他文化中没有的独特的东西。自己的“司空见惯”对其他文化来说可能是特殊的。我认为重新审视作为“司空见惯”而忽略的东西会有新的发现。